ブラム・ヴァンダーベケとコーヒーを。

他に類を見ないアーティスト、ブラム・ヴァンダーベケの作品は、多様性に富みながらも、一貫していて、誰の目にも明らかです。時に機能的、時に彫刻的、時に記念碑的、時に繊細。しかし、常に人を惹きつけ、魅了します。しかし、彼の作品にしばしば見られる荒削りな質感は、彼の人柄を反映したものではありません。彼は非常に優しく、思慮深い人物です。ブラムは先日、作品の一部を持ってアントワープまで車で来てくれて、私たちに彼の考えを聞き、写真を撮る機会を与えてくれました。素晴らしい一日でした。

物心ついた頃からずっと音楽に魅了されてきました。でも、それは自分一人で探求してきた小さなものだったんです。本当に幼い頃、13歳くらいの頃は、小さな町の図書館にしょっちゅう通って、手に入るものは何でも借りていました。「メタル」や「パンク」関連のものをランダムに検索していたんです。それでバッド・ブレインズを知ったのもそのせいです（笑） 。当時流行っていたニューメタルやパンクロックがきっかけだったんですが、そこでもっとたくさんの音楽を見つけたんです。CDを全部家に持ち帰って、父にコピーを頼んだりもしました。父が図書館に行って、私のために何か借りてくることもあったんです。

しばらくして、ライブやフェスティバルに行きたくなりました。最初は、両親が地元のライブにしか行かせてくれませんでした。だって、それほど遠くないから。最初は何が何だかよくわからなかったけど、徐々に音楽にのめり込んでいき、自分の好みが確立していきました。成長するにつれて、当然ながら様々なジャンルも探求するようになり、それが今の私の幅広い嗜好につながっています。新しいものを発見するのが大好きで、ライブショーを見ることは私にとってなくてはならないものです。それは私を育て、刺激を与えてくれるものです。

ヘイトブリードの「Perseverance」かな（笑） 。当時はあれをよく聴いてた。あれは初めて「自分のもの」と思えたヘヴィなレコードだったと思う。

そしてちょうど20周年を迎えました！

ええ、あれを見つけたのは15歳くらいの時でした。それ以前はSlipknotも大好きでした。Hatebreedの後はハードコアにどっぷりハマって、Youth Of Todayみたいな初期の作品に出会って、今でも大好きです。でも、1つのレコードやバンドだけを挙げるのは難しいですね。本当にたくさんあるんです。正直、色々なジャンルを聴いています。AFIにもすごくハマっていましたし、Metallicaの「Ride The Lightning」も今でも聴き返します。

先ほどライブ音楽があなたを豊かにしてくれているとおっしゃいましたが、それをどう捉えるべきでしょうか？もしあるとすれば、ライブ音楽とあなたのアートの間にはどのような相関関係があるのでしょうか？

直接的な繋がりはないと思います。どちらかと言うと、何かの感覚、あるいは雰囲気のようなもので、それが創作や絵、デザインをさせてくれるんです。説明するのは難しいのですが、ライブショーを見た後、新しい作品のアイデアを持って帰ることがよくあります。ショーを見ている間は他のことは考えませんが、心がリセットされるような気がします。そうすると、新鮮なエネルギーで新しいプロジェクトに取り掛かれるんです。

作業中は常に音楽を聴いているので、それも影響しているかもしれません。聴いている音楽は、作業内容とリンクしていることが多いです。繊細で洗練されたものを作っている時は、攻撃的な音楽は聴きません。逆に、砥石を使ったり、荒削りな作業をしている時は、攻撃的な音楽は聴きます。全体的に見て、影響はあると思いますが、特定するのは難しいですね。

普段は建築オブジェクト、あるいは実用的な彫刻と呼んでいます。お分かりの通り、このことについてはずっと考えてきました（笑）。でも、それはあらゆるものを包括する傘のようなもので、建築はそれらを結びつける絆のようなものなんです。建築の形状、要素、様式、端的に言えば建築形態言語です。例えば、街を歩いていて、ある建物の柱を見ると、それが作品のインスピレーションとして心に残るんです。

実用的なオブジェも抽象作品も作っていますが、必ずしも両者の間に明確な境界線があるわけではありません。最初は彫刻的で抽象的な作品に取り組み始めたのに、最終的には非常に機能的なものになってしまうこともあります。逆に、最初は機能的なものに取り組み始めたのに、最終的には完全に抽象的な作品になってしまうこともあります。それは、私が自分に許している制作の自由です。なぜなら、自分の直感に従う必要があるからです。それに、私の作品について人々が「これは本当に使えるものなのか、そうでないのか？」といったように、独自の解釈をしてくれるのも嬉しいです。小さなオブジェから、本格的な建築に近い大規模なプロジェクトまで、スケールの違いもとても楽しいです。そういう意味で、私の作品は非常に多様ですが、すべてにブラム・ブラムらしい感覚を持たせたいと思っています。

確かにすべては理にかなっていると思いますが、アートの世界にあまり詳しくない人に自分の仕事を説明するのは難しいと思いますか? 

いえ、それもかなり簡単にできます。高校時代に木工と建築を学んだ経験があるからだと思います。それが役立っていると思います。私の仕事には実践的な「作り手」としての側面があるので、常に自分が使う技術や素材に集中できます。技術的な側面が強いので、共感しやすいんです。抽象的だったりクリエイティブな部分を必ずしも理解する必要はありませんが、職人技は大抵理解してもらえると思います。

おっしゃる通り、当時の私は少し変わっていたと思いますが、私にとっては理にかなった選択でした。祖父がレンガ職人として働いていて、私も幼い頃からレンガ職人になりたかったんです。学生時代には木工に興味を持ち、学位を取得しました。木工技術を学ぶのは楽しかったのですが、自分が追求したい分野ではないと感じていました。当時から、滑らかで完璧に仕上げられたものを作る必要性を感じていなかったのです。もっとクリエイティブなことに意欲があったので、ゲントでインテリアと家具デザインを学び、その後アイントホーフェンのデザインアカデミーで学びました。

とにかく、自分が一番興味を持ったこと、つまりデザインにおける概念的で抽象的な側面を追い求めました。それが私にとって本当に魅力的だったし、アイントホーフェンで真に没頭できたことでもあります。そこで、私のデザインの、一見未完成で荒削りに見える側面が、同時に強みでもあることに気づきました。今の私の作品を見れば、荒削りな部分や、時に欠けている部分がまだ見えるでしょう。それが私であり、私の仕事であり、今はそれをすべて受け入れています。振り返ってみると、自分が歩んできたすべての歩みが、全てにおいて理にかなっていると感じます。

アイントホーフェンに行くのは大きな一歩でしたか？確かに景色が変わりますからね。

本当に必要なことだと感じていたので、迷うことなく進みました。デザインアカデミーは以前学んだことの延長線上にあるとはいえ、全く異なる環境でした。素晴らしいのは、自分の手でものづくりに集中できることです。陶芸からスクリーン印刷、テキスタイル、木工まで、様々なアトリエがたくさんあります。ワークショップの一つに行って、ゼロから何かを作り始めるのが本当に楽しいんです。とにかく、あれこれいじるんです。今も自分のワークショップでやっているのと同じで、とにかくいじくり回しています。

型を作って完璧に見えるのに、実際に何かを流し込んでみたら、全く思い描いていたものと違う、なんてこともあります。あるいはその逆もあります。でも、そういうことができるのは楽しいですね。その過程から何か面白いものが生まれる可能性が十分にあるからです。もちろんスケッチや小型模型は持っていますが、それらはあくまで出発点に過ぎず、全てではありません。

よりパーソナルな作品に目を向けると、どのようにアプローチするのですか？何か特別なアイデアや伝えたいメッセージがある状態で始めるのですか？

意味やメッセージは全く必要ありません。ある瞬間に私の中に湧き上がってくるものを、ただ直感的に表現していくだけです。重要なのは、形、建築的なフォルム、そしてそれらが周囲の空間とどのように相互作用するかです。それが私が展覧会や公共空間のための作品を制作する魅力です。そうした場では、あらゆる階層の人々が私の作品に触れ、それらの作品が人々にどのような影響を与えるのかを見るのが大好きです。

私の作品を実用的な作品として買ってくれる人がいれば、それで構いません。家や庭の彫刻的な要素として見てくれる人も、それもまた良いことです。私が願うのは、それが世に出回って、どんな意味であっても使われてくれることだけです。

ご自身の仕事に関して、今後どのように進化していくとお考えですか？個人作品と委託作品の比率は今後どのように変化していきたいですか？

私にとって、この二つの組み合わせは非常に重要です。なぜなら、一方が他方を育むからです。その力学が好きなんです。例えば、建築家から依頼されたプロジェクトで忙しい時は、特定の枠組みの中で考え、作業しています。その文脈の中で使う、あるいは使わないアイデアの中には、私の自律的な作品に完璧に役立つものもあります。あるいはその逆もあります。分かりますか？異なるスケールで作業することも私にとって重要です。非常に大きな彫刻のディテールを取り出し、それを使って小さくて新しいものを作ることができます。ですから、今のバランスを維持できればと思っています。自分のやりたいことに十分な時間を割きたいからです。一度にたくさんのプロジェクトに取り組んで自分を見失いたくないんです。

両方が可能な限りうまく機能するためには、本当に必要なんです。経済的にも。今本当に必要なのは、私の代わりに事務処理をしてくれる人だけです（笑） 。

今ではそれをすべて自分で処理しているのですか?

はい、確かに時間がかかります。書類、メール、入札など、あらゆることに。もちろん、その時間をクリエイティブなことに使いたいんです。実は、写真撮影に持参した小さな彫刻作品を作り始めたのも、まさにその頃です。パソコンの前に座っている時間がほとんどない日もあり、それは本当にもったいない気がします。そうした作業に費やした時間に対するクリエイティブな成果として、彫刻作品を作るんです。スケールが小さいので、あっという間に作れて、満足感も得られます。

BRUTに関わるメンバーは皆、本当に様々で、それぞれがそれぞれの仕事で忙しいのですが、共同プロジェクトに取り組むために定期的に集まっています。それぞれがアイデアやスケッチを持ち寄って、そこから作品を作っていく。刺激的なプロセスです。私はとにかく、様々な人たちに囲まれているのが好きなんです。刺激を受けるだけでなく、直面している課題について話し合ったり、ヒントや知識を交換したりすることもできます。まるで美術学校に戻ったような感じです。先生も大切ですが、仲間の学生も同じくらい大切です。そんな雰囲気なんです。

それに加えて、アイントホーフェンで親しくなったフランス人デザイナー、ウェンディ・アンドリューともよく仕事をしています。最初は二人で参加した展覧会で一度だけ一緒に仕事をしたのですが、それ以来、他のプロジェクトでも一緒に仕事をすることが多くなりました。例えば、インテリア建築家や写真家ともコラボレーションしています。こうした多様性にとてもやりがいを感じています。こうした様々な要素が組み合わさっているからこそ、アーティストとしての仕事が面白いと感じています。

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ワウター・ストルイフによる写真

プロダクション＆スタイリング：ビョルン・ドッシェ

ビョルン・ドッシェによる文

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@bramvanderbeke

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